Старинные картины. Европейская живопись «Сидящая обнаженная на диване»
Классицизм , художественный стиль в европейском искусстве 17–начала 19 века, одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону. Классицизм, развивавшийся в острополемическом взаимодействии с барокко, в целостную стилевую систему сложился во французской художественной культуре 17 века.Классицизм 18 – начала 19 веков (в зарубежном искусствознании он часто именуется неоклассицизмом), ставший общеевропейским стилем, также формировался преимущественно в лоне французской культуры, под сильнейшим влиянием идей Просвещения. В архитектуре определились новые типы изысканного особняка, парадного общественного здания, открытой городской площади (Габриель Жак Анж и Суфло Жак Жермен), поиски новых, безордерных форм архитектуры, стремление к суровой простоте в творчестве Леду Клода Никола предвосхищали зодчество поздней стадии классицизма – ампира. Гражданский пафос и лиричность соединились в пластике (Пигаль Жан Батист и Гудон Жан Антуан), декоративных пейзажах (Робер Юбер). Мужественный драматизм исторических и портретных образов присущ произведениям главы французского классицизма, живописца Жака Луи Давида. В 19 столетии живопись классицизма, несмотря на деятельность отдельных крупных мастеров, таких, как Жан Огюст Доминик Энгр, вырождается в официально-апологетическое или претенциозно-эротическое салонное искусство. Интернациональным центром европейского классицизма 18 – начала 19 века стал Рим, где в основном господствовали традиции академизма со свойственным им сочетанием благородства форм и холодной идеализации (немецкий живописец Антон Рафаэль Менгс, скульпторы: итальянец Канова Антонио и датчанин Торвальдсен Бертель). Для архитектуры немецкого классицизма характерна суровая монументальность построек Карла Фридриха Шинкеля, для созерцательно-элегичной по настроению живописи и пластики – портреты Августа и Вильгельма Тишбейнов, скульптура Иоганна Готтфрида Шадова. В английском классицизме выделяются антикизирующие сооружения Роберта Адама, палладианские по духу парковые усадьбы Уильяма Чеймберса, изысканно-строгие рисунки Дж. Флаксмена и керамика Дж. Уэджвуда. Собственные варианты классицизма развивались в художественной культуре Италии, Испании, Бельгии, скандинавских странах, США; выдающееся место в истории мирового искусства занимает русский классицизм 1760–1840-х годов.
К конце первой трети 19 столетия ведущая роль классицизма почти повсеместно сходит на нет, он вытесняется разнообразными формами архитектурного эклектизма. Оживает художественная традиция классицизма в неоклассицизме конца 19 – начала 20 веков.
Жан Огю́ст Домини́к Энгр
, (1780-1867) - французский художник, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века.
В творчестве Энгра – поиск чистой гармонии.
Учился в тулузской академии изящных искусств. По окончании академии переезжает в Париж, где в 1797 становится учеником Жака-Луи Давида. В 1806-1820 учится и работает в Риме, затем переезжает во Флоренцию, где проводит ещё четыре года. В 1824 возвращается в Париж и открывает школу живописи. В 1835 вновь возвращается в Рим в должности директора Французской академии. С 1841 года до конца жизни живёт в Париже.
Академи́зм (фр. academisme) - направление в европейской живописи XVII-XIX веков. Академическая живопись возникла в период развития в Европе академий художеств. Стилистической основой академической живописи в начале XIX века являлся классицизм, во второй половине XIX века - эклектизм.
Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и Возрождения.
Энгр. Портреты семьи Ривьер. 1804-05
Романтизм
Романтизм - явление, порожденное буржуазным строем. Как мировоззрение и стиль художественного творчества он отражает его противоречия: разрыв между должным и сущим, идеалом и действительностью. Осознание нереализуемости гуманистических идеалов и ценностей Просвещения породило две альтернативные мировоззренческие позиции. Суть первой - презреть низменную действительность и замкнуться в скорлупе чистых идеалов. Суть второй - признать эмпирическую реальность, отбросить все рассуждения об идеальном. Исходным пунктом романтического мировоззрения является открытое неприятие действительности, признание непреодолимой пропасти между идеалами и реальным бытием, неразумности мира вещей.Для него характерны негативное отношение к действительности, пессимизм, трактовка исторических сил как находящихся вне реальной повседневной действительности, мистификация и мифологизация. Все это побуждало к поискам разрешения противоречий не в реальном мире, а в мире фантазий.
Романтическое миропонимание охватило все сферы духовной жизни - науку, философию, искусство, религию. Оно выразилось в двух вариантах:
Первый - в нем мир представал бесконечной, безликой, космической субъективностью. Творческая энергия духа выступает здесь началом, созидающим мировую гармонию. Для этого варианта романтического миропонимания характерен пантеистический образ мира, оптимизм, возвышенные чувства.
Второй - в нем человеческая субъективность рассматривается индивидуально-личностно, понимается как внутренний самоуглубленный мир человека, находящегося в конфликте с внешним миром. Такому мироощущению свойственен пессимизм, лирически-грустное отношение к миру.
Исходным принципом романтизма было «двоемирие»: сопоставление и противопоставление реального и воображаемого миров. Способом выражения этого двоемирия был символизм.
Романтический символизм представлял органическое соединение мира иллюзорного и реального, что проявилось в появлении метафоры, гиперболы, поэтических сравнений. Романтизму, несмотря на тесную связь с религией, были присущи юмор, ирония, мечтательность. Образцом и нормой для всех областей искусства романтизм объявил музыку, в которой, по мнению романтиков, звучала сама стихия жизни, стихия свободы и торжества чувств.
Возникновение романтизма было обусловлено рядом факторов. Во-первых, социально-политическими: Французская революция 1769- 1793 гг., наполеоновские войны, война за независимость Латинской Америки. Во-вторых, экономическими: промышленный переворот, развитие капитализма. В-третьих, он формировался под влиянием классической немецкой философии. В-четвертых, сложился на основе и в рамках существующих литературных стилей: просвещения, сентиментализма.
Расцвет романтизма приходится на период 1795- 1830 гг. - период европейских революций и национально-освободительных движений, и особенно ярко романтизм проявился в культуре Германии, Англии, России, Италии, Франции, Испании.
Романтическая тенденция оказала большое влияние в гуманитарной области, а позитивистская - в естественно-научной, технической и практической.
Жан Луи Андре Теодор Жерико
(1791-1824).
Ученик в течение недолгого времени К. Верне (1808-1810), а потом П. Герена (1810-1811), которого огорчали его приемы передачи природы не в соответствии с принципами школы Жака-Луи Давида и пристрастие к Рубенсу, но впоследствии признавший рациональность стремлений Жерико.
Служа в королевских мушкетерах, Жерико писал преимущественно батальные сцены, однако после путешествия в Италию в 1817-19 гг. он исполнил большую и сложную картину «Плот „Медузы“» (находится в Лувре, в Париже), ставшую полным отрицанием давидовского направления и красноречивой проповедью реализма. Новизна сюжета, глубокий драматизм композиции и жизненная правда этого мастерски написанного произведения не были сразу оценены по достоинству, но вскоре оно получило признание даже со стороны приверженцев академического стиля и принесло художнику славу талантливого и смелого новатора.
Трагическая напряженность и драматизм.В 1818 году Жерико работал над картиной «Плот Медузы», положившей начало французскому романтизму. Делакруа, позировавший своему другу, стал свидетелем рождения композиции, ломающей все привычные представления о живописи. Позже Делакруа вспоминал, что увидев законченную картину, он «в восторге бросился бежать, как сумасшедший, и не мог остановиться до самого дома».
В основе сюжета картины лежит реальное происшествие, случившиеся 2 июля 1816 года у берегов Сенегала. Тогда на отмели Арген в 40 лье от африканского берега потерпел крушение фрегат «Медуза». 140 пассажиров и членов команды попытались спастись, высадившись на плот. Только 15 из них остались в живых и на двенадцатый день скитаний были подобраны бригом «Аргус». Подробности плавания выживших потрясли современное общественное мнение, а само крушение обернулось скандалом во французском правительстве из-за некомпетентности капитана судна и недостаточности попыток спасения потерпевших.
Образное решение
Гигантское полотно впечатляет своей выразительной мощью. Жерико сумел создать яркий образ, соединив в одной картине мёртвых и живых, надежду и отчаяние. Картине предшествовала огромная подготовительная работа. Жерико делал многочисленные этюды умирающих в больницах и трупов казнённых. «Плот „Медузы“» стал последним из законченных произведений Жерико.
В 1818 году, когда Жерико работал над картиной «Плот „Медузы“», положившей начало французскому романтизму, Эжен Делакруа, позировавший своему другу, стал свидетелем рождения композиции, ломающей все привычные представления о живописи. Позже Делакруа вспоминал, что увидев законченную картину, он «в восторге бросился бежать, как сумасшедший, и не мог остановиться до самого дома».
Реакция публики
Когда Жерико выставил «Плот „Медузы“» в Салоне в 1819 году, картина вызвала негодование публики, так как художник вопреки академическим нормам того времени использовал столь большой формат не для изображения героического, нравоучительного или классического сюжета.
Картина была приобретена в 1824 году и в настоящее время находится в 77-м зале на 1-м этаже галереи Денон в Лувре.
Эже́н Делакруа́
(1798 - 1863) - французский живописец и график, глава романтического направления в европейской живописи.
Но настоящими университетами для Делакруа стали Лувр и общение с молодым живописцем Теодором Жерико. В Лувре он очаровался работами старых мастеров. В то время там можно было увидеть немало полотен, захваченных во время Наполеоновских войн и ещё не возвращенных их владельцам. Больше всего начинающего художника привлекали великие колористы - Рубенс, Веронезе и Тициан. Но самое большое влияние оказал на Делакруа Теодор Жерико.
В июле 1830 Париж восстал против монархии Бурбонов. Делакруа симпатизировал восставшим, и это нашло отражение в его «Свободе, ведущей народ» (у нас это произведение известно также под названием «Свобода на баррикадах»). Выставленное в Салоне 1831года, полотно вызвало бурное одобрение публики. Новое правительство купило картину, но при этом немедленно распорядилось снять ее, слишком уж опасным казался ее пафос.
На искусство первой половины XIX в. оказали влияние Великая Французская революция (1789–1799 гг.), война с Наполеоном, война с Испанией. В этот период большой прогресс в науке. Основные стили: ампир, романтизм, французский реализм.
В архитектуре первой половины XIX столетия неоклассицизм пережил последний расцвет. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Вследствие романтического увлечения стариной многие мастера попытались возродить традиции архитетуры прошлого - так возники неоготика, неоренессанс, необарокко. Усилия зодчих нередко приводили к эклектизму - механическому соединению элементов разных стилей, старого с новым. В архитектуре преобладает строительство фабрик, контор, жилых домов, универмагов, выставочных залов, библиотек, вокзалов, крытых рынков, банков и т. д. Банки украшаются древнегреческими портиками, универмаги - готическими стрельчатыми окнами и башнями. Фабрикам придаются облики замков.
19.1.1 Искусство Франции
Архитектура. В годы Великой Французской революции во Франции не построили ни одного долговечного сооружения. Это была эпоха временных построек, как правило, деревянных. В начале революции была разрушена Бастилия, снесены памятники королям. В 1793 г. закрыли королевские академии, в том числе академию архитектуры. Вместо них появились Национальное жюри искусств и Республиканский клуб искусств, главными задачами которых быи организация массовых праздников и оформление парижский улиц и площадей.
На площади Бастилии воздвигли павильон с надписью: «Здесь танцуют». Площадь Людовика XV была названа площадью Революции и дополнена триумфальными арками, статуями Свободы, фонтанами с эмблемами. Марсово поле стало местом народных собраний с алтарем Отечества в центре. Дом Инвалидов и его Собор превратились в храм человечности. Улицы Парижа были украшены новыми монументами.
Также в годы Французской революции была образована Комиссия художников, которая занималась благоустройством города, планировала изменения в его облике. Он сыграла существенную роль в истории архитектуры.
В искусстве наполеоновской Франции господствовал стиль ампир. Главным мероприятием Наполеона в области архитектуры стала реконструкция Парижа: предполагалось связать средневековые кварталы системой проспектов, пересекающих город по оси «восток-запад». Были построены: проспект Еисейские поля, улица Риволи, триумфальная колонна на Вандомской площади (1806–1810 гг., архитекторы Жан Батист Лепер, Жак Гондуэн), въездные ворота дворца Тюильри (1806–1807 гг., архитекторы Ш. Персье, П. Ф. Л. Фонтен), триумфальная арка Великой армии (1806–1837 гг., архитекторы Жан Франсуа Шальен и др.).
Живопись. В первой половины XIX в. французская школа живописи упрочила своё первенство в искусстве Западной Европы. Франция опередила другие европейские страны и в демократизации художественной жизни. С 1791 г. право участия в выставках луврского Салона получили любые авторы независимо от их членства в академиях. С 1793 г. открылись для широкой публики залы Лувра. Государственное академическое образование вытеснялось подготовкой в частных мастерских. Власти прибегали к более гибким методам художественной политики: распределение крупных заказов на украшение общественных зданий приобрело особенный размах.
Представители живописи французского романтизма- Давид, Энгр, Жерико, Делакруа, Гро.
Жак Луи Давид (1748–1825) - самый последовательный представитель неоклассицизма в живописи. Учился в Королевской академии живописи и скульптуры, в 1775–1779 гг. посетил Италию. В 1781 г. Давид был принят в число членов Королевской академии и получил право участвовать в её выставках - луврских Салонах. В 1792 г. Давид был избран депутатом в Конвент, высший законодательный и исполнительный орган Первой республики.
Ещё в 1776 г. была разработана правительственная программа, которая поощряла создание больших картин. Давид получил заказ на картину о подвиге трёх братьях из знатного рода Горациев - «Клятва Горациев» (1784 г.) . Действие картины разворачивается во внутреннем дворике древнеримского дома: сверху на героев картины льётся поток света, вокруг них оливково-серые сумерки. В основе всей композиции число три: три арки (в каждую из арок вписана одна или несколько фигур), три группы персонажей, три сына, тир меча, три женщины. Плавные очертания женской группы противопоставлены чеканным линиям фигур воинов.
В 1795–1799 гг. Давид вместе с учениками работал над картиной «Сабинянки, останавливающие битву между римлянами и сабинянами» . Художник вновь избрал сюжет, созвучный современности: сказание о женщинах, прекративших войну между римлянами (их мужьями) и сабинянами (их отцами и братьями), звучало в тогдашней Франции как призыв к гражданскому миру. Однако огромная, перегруженная фигурами картина вызвала у зрителей лишь насмешки.
В 1812 г. уехал в Брюссель, где жил до самой смерти. Писал портреты и произведения на античные сюжеты - «Смерть Марата» (1793 г.), «Портрет мадам Рекамье» (1800 г.) . Картина «Смерть Марата» была закончена художником меньше чем за три месяца и повешена в зале заседаний Конвента. Марат был заколот в своей квартире дворянкой по имени Шарлотта Корде. В момент гибели Марат сидел в ванне: из-за кожной болезни он был вынужден так работать и принимать посетителей. Не являются вымыслом художника и залатанные простыни, и простой деревянный ящик, заменявший стол. Однако сам Марат, тело которого было обезображено болезнью, под кистью Давида превратился в благородного атлета, подобного античному герою. Простота обстановки придаёт зрелищу особую трагическую торжественность.
В грандиозной картине «Коронование Наполеона I и императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 г.» (1807 г.) Давид создал очередной миф - блеск алтаря и великолепие одежд придворных действуют на зрителя не хуже, чем убогая мебель и старые простыни Марата.
Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867) был приверженцем классических идеалов, художником самобытным, чуждым всякой фальши, скуки и рутины. В 1802 г. был награждён Римской премией и получил право поехать в Италию. В 1834 г. стал директором французской академии в Риме. Достиг наивысшего мастерства в жанре портрета - «Портрет Ривьера» .
Энгр пытался передать в живописи декоративные возможности различных видов старого искусства, например выразительность силуэтов древнегреческой вазописи, - «Эдип и Сфинкс» (1808 г.) и «Юпитер и Фетида» (1811 г.) .
В монументальном полотне «Обет Людовика XIII, просящего покровительства Богоматери для Французского королевства» (1824 г.) , он подражал живописному стилю Рафаэля. Картина принесла Энгру первый крупный успех. В картине «Одалиска и рабыня» (1839 г.) выбрал композицию, близкую к «Алжирским женщинам в своих покоях» Делакруа, и решил её по-своему. Пёстрый, многокрасочный колорит полотна возник вследствие увлечения художника восточной миниатюрой. В 1856 г. Энгр закончил картину «Источник» , задуманную им ещё в 20-е гг. в Италии. В грациозном цветущем девичьем теле воплощены чистота и щедрость мира природы.
Теодор Жерико (1791–1824) - основатель революционного романтизма во французской живописи. Первая работа, выставленная в Салоне, - «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку» («Портрет лейтенанта Р. Дьедонне», 1812 г.) . Лихой всадник на полотне не позирует, а сражается: стремительная диагональ композиции уносит его вглубь картины, в сизо-багровое пекло боя. В это время стало известно о разгроме армии Наполеона Бонапарта в России. Чувства французов, познавших горечь поражения, отразила новая картина молодого художника - «Раненый кирасир, покидающий поле боя» (1814 г.) .
В 1816–1817 гг. Жерико жил в Италии. Художника особенно увлекли скачки неосёдланных лошадей в Риме. В живописной серии «Бег свободных лошадей» (1817 г.) доступна и выразительная точность репортажа, и сдержанная героика в неоклассическом духе. В этих произведениях окончательно сформировался его индивидуальный стиль: мощные, грубоватые формы переданы большими подвижными пятнами света.
Вернувшись в Париж, художник создал картину «Плот „Медузы"» (1818– 1819 гг.) . В июле 1816 г. близ островов Зелёного Мыса корабль «Медуза» под командованием неопытного капитана, получившего должность по протекции, сел на мель. Тогда капитан и его приближённые уплыли в шлюпках, бросив на произвол судьбы плот со ста пятьюдесятью матросами и пассажирами, из которых выжило только пятнадцать человек. В картине Жерико добивался максимального правдоподобия. Два года он разыскивал людей, переживших трагедию в океане, делал зарисовки в больницах и моргах, писал этюды моря в Гавре. Плот на его картине приподнят волной, зритель сразу видит всех ютящихся на нём людей. На первом плане - фигуры умерших и обезумевших; они написаны в натуральную величину. Взгляды тех, кто ещё не отчаялся, обращены на дальний край плота, где африканец, стоя на шатком бочонке, машет красным платком команде «Аргуса». То отчаяние, то надежда наполняют души пассажиров плота «Медузы».
В 1820–1821 гг. Жерико побывал в Англии. Под влиянием работ Констебла он написал «Скачки в Эпсоме» (1821 г.) . Картина пронизана движением: кони несутся, едва касаясь земли, их фигуры слились в одну стремительную линию; подвижны низкие облака, подвижны их тени, скользящие по влажному полю. Все контуры в пейзаже размыты, краски смазаны. Жерико показал мир таким, каким его видит жокей на мчащемся галопом коне.
Эжен Деакруа (1798–1863) - французский живописец. Основой живописи Делакруа служат красочные пятна, составляющие гармоничное единство; каждое пятно помимо своего цвета включает оттенки соседних.
Первую свою картину Делакруа написал на сюжет «Божественная комедия» Данте - «Данте и Вергилий» («Ладья Данте») (1822 г.) . Делакруа создал картину «Хиосская резня» (1824 г.) под впечатлением событий освободительной революции в Греции 1821–1829 гг. В сентябре 1821 г. турецкие каратели уничтожили мирное население Хиоса. На первом плане картины фигуры обречённых хиосцев в пёстрых лохмотьях; фоном им служат тёмные силуэты вооружённых турок. Большинство пленников безучастны к своей судьбе, лишь дети тщетно умоляют родителей защитить их. Турецкий всадник, который тащит за собой девушку-гречанку, выглядит своеобразным символом порабощения. Не менее символичны и другие фигуры: обнажённый раненый грек - его кровь уходит в сухую землю, а рядом валяются сломанный кинжал и опустошённая грабителями сумка.
После событий в июле 1830 г. в Париже Делакруа создал картину «Свобода, ведущая народ (28 июля 1830 г.)» . Простому эпизоду уличных боёв художник придал вневременное, эпическое звучание. Повстанцы поднимаются на отбитую у королевских войск баррикаду, а возглавляет их сама Свобода. Критики увидели в ней «помесь торговки с древнегреческой богиней». Здесь чувствуется романтический стиль: Свобода изображена в виде богини победы, она поднимает трёхцветное знамя Французской республики; следом движется вооружённая толпа. Сейчас все они солдаты Свободы.
В 1832 г. Делакруа сопровождал дипломатическую миссию в Алжир и Марокко. По возвращении в Париж художник создал картину «Алжирские женщины в своих покоях» (1833 г.) . Фигуры женщин удивительно пластичны. Мягко очерчены золотисто-смуглые лица, плавно изогнуты руки, пёстрые наряды ярко выделяются на фоне бархатистых теней.
Антуан Гро (1771–1835) - французский живописец, портретист. Гро отказался от классических сюжетов - его привлекала современная история. Создал серию картин, посвященных египетско–сирийской экспедиции наполеоновской армии (1798–1799 гг.) - «Бонапарт, посещающий зачумленных в Яффе» (1804 г.) . Другие картины, посвященные Наполеону - «Наполеон на Аркольском мосту» (1797 г.), «Наполеон на поле битвы при Эйау» (1808 г.) . Гро в 1825 г. закончил роспись купола Пантеона в Париже, заменив изображение Наполеона фигурой Людовика XVIII.
Направления в живописи 19 века достаточно тесно перекликаются с направлениями века предшествующего. В начале столетия ведущим направлением во многих странах был . Зародившийся в 18 веке, этот стиль продолжал развиваться, при том в разных странах его развитие имело индивидуальные особенности.
Классицизм
Художники, работавшие в этом направлении, вновь обращаются к образам античности. Однако через классические сюжеты они пытаются выразить революционные настроения - стремление к свободе, патриотизм, гармонию между человеком и общество. Ярким представителем революционного классицизма был художник Луи Давид. Правда, со временем классицизм перерос в консервативное направление, которое поддерживалось государством, а значит, стало безликим, прилизанным цензурой.
Особенно яркий расцвет живописи в 19 веке наблюдался в России. В это время здесь образовалось множество новых стилей и направлений. Аналогом классицизма в России являлся академизм. Этот стиль обладал чертами классического европейского стиля - обращение к образам античности, возвышенная тематика, идеализация образов.
Романтизм
В начале 30-х годов 19 века в противовес классицизму появился романтизм. В обществе того времени происходило множество переломных моментов. Художники стремились абстрагироваться от неприглядной реальности, создавая свой, идеальный мир. Тем не менее, романтизм считается прогрессивным течением своего времени, потому что стремлением художников романтиков было донесение идей гуманизма и духовности.Это емкое направление, отразившееся в искусстве многих стран. Смысл его - возвеличивание революционной борьбы, создание новых канонов красоты, написание картин не только кистью, но и сердцем. Эмоциональность здесь ставится во главу угла. Для романтизма характерно введение во вполне реальный сюжет аллегорических образов, искусная игра светотени. Представителями этого направления были Франциско Гойя, Эжен Делакруа, Руссо. В России к романтизму относят работы Карла Брюллова.
Реализм
Задачей этого направления стало изображение жизни такой, как он есть. Художники реалисты обращались к образам простого народа, основные черты их произведений - критичность и максимум правдивости. Они изображали в деталях лохмотья и дыры одежды простых людей, искаженные страданием лица простого народа и толстые телеса буржуа.Интересным явлением 19 века стала Барбизонская школа художников. Этот термин объединял нескольких французских мастеров , которые выработали свой собственный, непохожий стиль. Если в направлениях классицизма и романтизма природа разными способами идеализировались, то барбизонцы стремились изображать пейзажи с натуры. На их картинах - образы родной природы, и простые люди на этом фоне. Самые известные художники Барбизонцы - это Теодор Руссо, Жюль Депре, Вержиль ля Пенья, Жан-Франсуа Милле, Шарль Добиньи.
Жан-Франсуа Милле
Творчество барбизонцев повлияло на дальнейшее развитие живописи 19 века. Во-первых, у художников этого направления появились последователи в ряде стран, в том числе и в России. Во-вторых, барбизонцы дали толчок для возникновения импрессионизма. Они первыми стали писать картины на пленере. В дальнейшем традиции изображения реальных пейзажей подхватили импрессионисты.
Стала завершающим этапом в живописи 19 века, и пришлась на последнюю треть столетия. Художники импрессионисты подошли к изображению реальности еще более революционно. Они стремились передать не саму природу, и не образы в деталях, а то впечатление, которое производит то или иное явление.
Импрессионизм был прорывом в истории живописи. Этот период подарил миру множество новых техник и уникальные произведения искусства.
Олег, у вас есть своя точка зрения и вы хотите навязать её мне. Поймите, что у меня есть восстановленная История захваченной советской армией, России. И она и не должна сходиться с версией советских оккупантов. Если ваш знакомый пролетел, как фанера над Парижем, накупив туфты, то это его проблемы. Надо было заниматься изучением реальной Истории, а не тем, чем он занимался всю жизнь, если не смог отличить фальсификат от реальных культурно –художественных ценностей.
Если вложился не в то, что надо и пролетел с бизнесом, это его проблемы. И с каких это пор диплом о высшем платном образовании стал сертификатом к человеку? Ум дается при рождении, всё остальное, научаемость.
Читайте статью, там сказано о том, что советские крестьяне, которые разнесли в хлам захваченную ими Россию и сейчас живут хуже всех в Европе, имеют наглость поливать грязью всю Европу, рассказывая свои хамские выдумки о немытой Европе. И тем более, рассуждая о Королях и Высшем Свете, которых наши крестьяне вообще в глаза не видели. Их и сейчас-то на порог не пустят не то, что во дворцы, а в обычную европейскую квартиру.
А они смеют рассуждать о том, как жили Короли и Высший Свет в Европе в средних веках? Они что там, были? Их туда на порог пустили. Или они туда на машине времени слетали?
Вот и я показала картины западно-европейских художников второй половины 19 века, каких в Европе огромное количество. Это то, что уцелело. И, кстати, находится в России.
И где картины, нарисованные славянами, крестьянами советскими, за этот же период: вторая половина 19 века? А до захвата славянами России в 1853-1871 гг. и современная нам Россия, и современная нам Европа, были одним и тем же централизованным государством Армия Карусов, с одним населением, с одними законами и с одной и той же системой бесплатного образования.
А теперь, ответьте мне на вопрос: почему после одной и той же Войны со славянами, которая шла по всей Европе в 1853-1871 гг. в Европе, куда славян не пустили с их красными ордами, жили и живут намного лучше, чем в захваченной славянами, России?
Куда делась вся европейская культура из захваченной славянами, России? Куда делись те же самые европейские художники, которые до войны 1853-1871 гг. жили по всей России, как коренное население России.
Вы на эти вопросы отвечайте, не надо мне этих современных сочинителей, которые на основании переписанных сказок еврея Пушкина (англичанина Кларка Кеннеди) сочиняют свои версии о том, какой была захваченная славянами, Россия до Войны со славянами 1853-1871 гг.
Я нашла доказательства того, что до Войны со славянами в 1853-1871 гг. , славяне: красные (прусские) евреи-солдаты советские Эльстона –Сумарокова в современной нам России – НЕ ЖИЛИ. Они напали на Россию в 1853-м году. А после Войны осели на территориях захваченной ими России.
Так что, все разговоры славян о том, что русские и жили в захваченной ими России до 1853 года, отменяются.
Славяне – прусские евреи-солдаты Эльстона-Сумарокова, и до 1853 года славяне не жили по всей Европе, а не только в одной захваченной ими России.
У славян нет места дислокации красной армии Эльстона-Сумарокова на момент 1852 года.
Первыми землями Пруссии у славян: прусских евреев-солдат Эльстона, были захваченные ими Петербург и Москва. В 1861 году сначала переименовали Петербург и Москву - в Пруссию, в 1871 году – в Германию, а в 1896 году – в Россию. Потом был СССР, и все славяне были советскими, а теперь опять в Россию и все советские славяне стали русскими славянами евреями-христианами Эльстона-Сумарокова?
Не слишком ли много имен для простого-то крестьянина советского с немецкими штыками из 1853-1921 гг.?
 |
Немецкий живописец Франц Ксавер Винтерхальтер известен, в большей мере, своими портретами прекрасных дам 19 столетия. Родился он в 1805 году в Германии, но после получения профессионального образования перебрался в Париж, где и был назначен придворным художником при королевском дворе. Целая серия портретов великосветского семейства сделала художника невероятно популярным. И особенно популярным он стал у светских дам, поскольку умело сочетал портретное сходство с умением «подать» объект своего творчества. Однако, критики относились к нему очень и очень прохладно, что, однако, не мешало ему становится всё более популярным у дам высшего света не только Франции, но и всего мира. Это про него сказал Александр Дюма
Не избежали такой участи и дамы из России. |
Среди наиболее известных его работ - портреты императрицы Евгении (это его любимая модель).
и императрицы Елизаветы Баварской (1865).
Вот тут надо остановиться и сделать паузу...
Как все связано в этом мире! Габсбурги и жизнь Елизаветы, ее отношения со свекровью, судьба сына Рудольфа и фильм "Майерлинг", история Австро-Венгрии и роль Авы Гарднер, и я, маленькая провинциальная женщина, собирающая портреты кисти Франца и напряженно всматривающаяся в монитор компьютера...
Читала в энциклопедии о жизни Сисси, о ее детях, вспоминала фильм и рассматривала портреты и фотографии...
Действительно, живопись - это окно в мир земной и в мир знаний...
Франц Ксавер Винтерхальтер родился 20 апреля 1805 года в маленькой деревне Менценшванд (Mensenschwad) в Шварцвальде, земля Баден. Он был шестым по счёту ребёнком в семье Фиделя Винтерхальтера, фермера и производителя смолы, и его жены Евы Мейер, происходившей из старинного рода Менценшванд. Из восьми братьев и сестёр Франца только четверо выжили.
Его отец, хоть и был крестьянского происхождения, оказал значительное влияние на жизнь художника.
На протяжении всей жизни Винтерхальтер тесно общался со своей семьёй, в особенности со своим братом Германом (1808—1891), который также был художником.
После посещения школы при бенедиктинском монастыре в Блазине в 1818 году тринадцатилетний Винтерхальтер покидает Менценшванд, чтобы изучать рисование и гравюру.
Литографии и рисованию он обучался во Фрайбурге в студии Карла Людвига Шулера (1785—1852). В 1823 году, когда ему было восемнадцать лет, при поддержке промышленника барона von Eichtal он уезжает в Мюнхен.
В 1825 году удостаивается стипендии от великого герцога Баденского и начинает курс обучения в Мюнхенской академии художеств под руководством Петера Корнелиуса, но методы его преподавания молодому художнику не понравились, и Винтерхальтеру удётся найти другого преподавателя, кто бы мог научить его светской портретной живописи, и это был Йозеф Штилер.
В это же время Винтерхальтер зарабатывает на жизнь трудом литографа.
Вступление Винтерхальтера в придворные круги состоялось в 1828 году в Карлсруэ, когда он становится учителем рисования графини Софии Баденской. Благоприятный случай заявить о себе вдали от южной Германии пришёл к художнику в 1832 году, когда у него при поддержке великого герцога Леопольда Баденского появилась возможность совершить путешествие в Италию (1833—1834).
В Риме он пишет картины романтического жанра в стиле Луи-Леопольда Робера и сближается с директором Французской академии Орасом Верне.
По возвращении в Карлсруэ Винтерхальтер пишет портреты великого герцога Леопольда Баденского и его жены и становится придворным герцогским художником.
Тем не менее он покинул Баден и переехал во Францию,
где на выставке 1836 года внимание привлекла его жанровая картина "Il dolce Farniente",
а годом позднее похвалы была удостоена и "Il Decameron". Обе работы представляют собой академические живописные произведения в стилистике Рафаэля.
На Салоне 1838 года им был представлен портрет принца Ваграмского с юной дочерью.
Картины имели успех, карьера художника-портретиста Францу была обеспечена.
В один год он пишет Луизу-Марию Орлеанскую, королеву Бельгийскую с сыном.
Возможно, благодаря этой картине Винтерхальтер стал известен Марии-Амалии Неаполитанской, королеве Франции, матери бельгийской королевы.
Итак, в Париже Винтерхальтер быстро сделался модным. Он был назначен придворным художником Луи-Филиппа, короля Франции, который доверил ему создание индивидуальных портретов своей многочисленной семьи. Винтерхальтеру предстояло выполнить для него более тридцати заказов.
Этот успех принёс художнику репутацию знатока династической и аристократической портретной живописи: мастерски сочетая точность портретного сходства с едва уловимой льстивостью, изображал он государственную помпезность в живой современной манере. Заказы следовали один за другим...
Однако в художественных кругах к Винтерхальтеру относились иначе.
Критики, восхвалявшие его дебют на выставке в Салоне 1936 года, отвернулись от него как от художника, которого нельзя воспринимать серьезно. Это отношение сохранялось на всём протяжении карьеры Винтерхальтера и ставило его работы особняком в иерархии живописи.
Сам Винтерхальтер рассматривал свои первые государственные заказы как временный этап перед возвращением к предметной живописи и восстановлением академического авторитета; он оказался жертвой собственного успеха, и для своего же спокойствия ему приходилось работать почти исключительно в портретном жанре. Это была область, в которой он не только был знатоком и имел успех, но и сумел разбогатеть.
Зато Винтерхальтер получил международную славу и покровительство царственных особ.
Среди множества его царственных натурщиц была и королева Виктория. Впервые Винтерхальтер посетил Англию в 1842 году и несколько раз возвращался туда, чтобы написать портреты Виктории, принца Альберта и их растущей семьи, создав для них в общей сложности около120 работ. Большинство полотен находится в Королевском собрании, открыто для демонстрации в Букингемском дворце и других музеях.
Также Винтерхальтер написал несколько портретов представителей английской аристократии, в большинстве входивших в придворный круг.
Падение Луи-Филиппа в 1848 году не оказало влияния на репутацию художника. Винтерхальтер переехал в Швейцарию и работал по заказам в Бельгии и Англии.
Париж остаётся родным городом для художника: перерыв в поступлении заказов на портреты во Франции позволил ему вернуться к тематической живописи и обратиться к испанским легендам.
Так появилось полотно «Флоринда» (1852, музей «Метрополитен», Нью-Йорк), являющее собою радостный праздник женской красоты.
В этом том же самом году он сделал предложение руки и сердца, но был отвергнут; Винтерхальтер остался холостяком, преданным своей работе.
После вступления на престол Наполеона III популярность художника заметно выросла. С этого времени Винтерхальтер становится главным портретистом императорской фамилии и французского двора.
Прекрасная француженка императрица Евгения стала его любимой моделью и относилась к художнику благосклонно.
В 1855 году Винтерхальтер пишет свой шедевр «Императрица Евгения в окружении фрейлин», где изображает её в сельской обстановке, собирающей цветы вместе со своими фрейлинами. Картина была хорошо принята, выставлена для всеобщего обозрения и по сей день остаётся, пожалуй, наиболее известной работой мастера.
В 1852 году он едет в Испанию, чтобы написать королеву Изабеллу II, работает для португальской королевской фамилии. Приезжавшие в Париж представители русской аристократии также были рады получить свой портрет от известного мастера.
Как королевский художник Винтерхальтер пользовался постоянным спросом при дворах Британии (с 1841 г.), Испании, Бельгии, России, Мексики, Германии и Франции.
