Меню
ГлавнаяНа каждый день

Прикладное искусство 18 века. Декоративно-прикладное искусство XVIII века

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http://www.allbest.ru//

Размещено на http://www.allbest.ru//

«Декоративно-прикладное искусство 18 в.»

Введение

Во второй половине XVIII века русское прикладное искусство достигло значительного подъема. Этому способствовало развитие экономики, торговли, науки и техники и в немалой степени тесные связи с архитектурой и изобразительным искусством. Росло количество крупных и мелких фабрик, заводов, мастерских, выпускающих ткани, стекло, фарфор, мебель. Помещики в своих усадьбах устраивали различные мастерские, основанные на крепостном труде.

Одно из ярких явлений русской культуры - русское народное творчество, история которого насчитывает столько же веков, сколько живёт на земле человек.

Русское декоративно-прикладное искусство, народные промыслы - явления самобытные, не имеющие аналогов в мировой культуре. Земля русская испокон веков славится своими мастерами, людьми, способными своими руками создавать и творить настоящую красоту. Через искусство народных промыслов отслеживается связь прошлого с настоящим.

Народные промыслы -- это именно то, что делает нашу культуру богатой и неповторимой. Расписные предметы, игрушки и изделия из ткани увозят с собой иностранные туристы в память о нашей стране. Почти каждый уголок России имеет собственный вид рукоделия.

Основные виды рукоделий

ДЫМКОВСКАЯ ИГРУШКА

Дымковская игрушка (вятская, кировская игрушка), русский народный художественный промысел; издавна существует в слободе Дымково (ныне на территории города Киров). Дымковскую игрушку лепят из глины, обжигают и по грунту раскрашивают темперой, включают сусальное золото. Изображает животных, всадников, дам в кринолинах, сказочные, бытовые сцены. Художественное своеобразие Дымковской игрушки определяется массивной лаконичной пластикой, подчеркнутой гармоничной декоративной росписью в виде крупного геометрического орнамента (разных цветов круги, клетки и др.).

Дымковская игрушка - самый известный из глиняных промыслов России. Она отличается предельно простой и ясной пластической формой, обобщенностью силуэта, яркой орнаментальной росписью по белому фону.

Традиционно промысел дымковской игрушки не имеет серийного поточного производства.

Хохлома - старинный русский народный промысел, возникший в 17 веке в Заволжье (селе Семино Нижегородской губернии). Это, пожалуй, самый известный вид русской народной живописи. Он представляет собой декоративную роспись по деревянной посуде и мебели, выполненную красным и черным (реже зеленым) тонами и золотом по золотистому фону. Удивительно то, что при выполнении росписи на дерево наносят не золотой, а серебристый оловянный порошок. Потом изделие покрывают специальным составом и три-четыре раза обрабатывают в печи. Тогда и появляется этот восхитительный медово-золотой цвет, благодаря которому легкая деревянная посуда кажется массивной.

БОГОРОДСКАЯ ИГРУШКА

Пёстрые деревянные курочки на подставке, фигурки кузнецов, мужика и медведя, - потяни за планку, и они застучат молоточками по маленькой наковальне... Забавные игрушки, известные на Руси с незапамятных времен, стали основным народным промыслом для жителей подмосковного села Богородское.

«Богородская игрушка» обязана своим рождением селу Богородское, расположенному ныне в Сергиево-Посадском районе Московской области. В XV веке селом владел известный московский боярин М.Б. Плещеев, после смерти которого, село вместе с крестьянами перешло по наследству его старшему сыну Андрею, а затем внуку Федору.

С 1595 года село Богородское становится собственностью Троице-Сергиева монастыря, а крестьяне - монастырскими крепостными. Именно крестьяне заложили в XVI-XVII веках основы резьбы по дереву, прославившей Богородское- нынешнюю «столицу игрушечного царства», на весь мир.

МАТРЕШКА

Матрешка - наиболее известный и любимый всеми российский сувенир, явление мирового масштаба. Первая русская матрешка появилась в конце XIX века, тем не менее она снискала небывалое признание как один из всеобъемлющих образов России, символ русского народного искусства. Предшественницей и прообразом русской матрешки стала фигурка добродушного лысого старика, буддийского мудреца Фукурумы, в которой находилось еще несколько фигурок, вложенных одна в другую. Привезена эта фигурка была с острова Хонсю. Японцы, кстати, утверждают, что первым на острове Хонсю такую игрушку выточил безвестный русский монах.

Русскую деревянную разъемную куклу назвали матрешкой. В дореволюционной провинции имя Матрена, Матреша считалось одним из наиболее распространенных русских имен, в основе которого лежит латинское слово "mater", означающее мать. Это имя ассоциировалось с матерью многочисленного семейства, обладающей хорошим здоровьем и дородной фигурой. В последствии оно сделалось нарицательным и стало означать токарное разъемное красочно расписанное деревянное изделие. Но и по сей день, матрешка остается символом материнства, плодородием, поскольку кукла с многочисленным кукольным семейством прекрасно выражает образную основу этого древнейшего символа человеческой культуры.

Первая русская матрешка, выточенная Василием Звездочкиным и расписанная Сергеем Малютиным, была восьмиместной: за девочкой с черным петухом следовал мальчик, затем опять девочка и так далее. Все фигурки отличались друг от друга, а последняя, восьмая изображала спеленатого младенца.

ОРЕНБУРГСКИЙ ПУХОВЫЙ ПЛАТОК

Основы прикладного искусства, благодаря которому Оренбург стал известен всему свету, заложили казацкие женки еще в конце XVII века, когда русские первопроходцы, закрепившись на Урале, вступили в торговые отношения с местным населением.

Суровый климат здешних мест требовал одежды теплой, но легкой. Казачки легко переняли у казахов и калмыков рукоделье из козьего пуха. Только манера вязания у степняков была сплошной, а яицкие женки стали применять русские кружевные орнаменты.

ПАВЛОПОСАДСКИЙ ПЛАТОК

Яркие и легкие, женственные павлопосадские платки всегда модны и актуальны. И сегодня оригинальные рисунки дополняются различными элементами вроде бахромы, создаются в разных цветовых гаммах и остаются прекрасным аксессуаром практически к любому образу.

Павлово-посадские набивные, шерстяные и полушерстяные платки, украшенные традиционным красочным набивным орнаментом, возникли в подмосковном городе Павловский Посад в 1860-80-х гг. Район Павловского Посада (территория бывшего Богородского уезда) - один из старейших российских текстильных центров. В 18 - первой половине 19 вв. богородские платки и сарафанные ткани отличались особой красотой вытканного золотной нитью орнамента. Позднее здесь широко распространилось шелкоткачество, а с 1860-х гг. начался выпуск шерстяных и полушерстяных платков, украшенных красочным набивным орнаментом. Постепенно производство разрасталось и приобретало ярко выраженный национальный характер.

РОСТОВСКАЯ ФИНИФТЬ

Ростовская финифть - уникальный традиционный народно -художественный промысел, который возник во второй половине XVIII в. как иконописный промысел. В этом ряду он родственен Палеху, Мстёре, Холую, только материал достаточно редкий - живопись по эмали. «Финифть» произошла от греческого существительного цЭггпт (фенгос), означающего «мерцание». Специальные краски (изобретённые в 1632 г. французским ювелиром Жаном Тутеном) на основе стекла с добавлением окислов металлов наносятся на металлическую основу (стальной, медный, серебряный, золотой лист) и закрепляются обжигом в печи. Ростовская финифть входит в десятку лучших народных промыслов России.

Гжель - это название живописного подмосковного региона, что в 60-ти километрах от Москвы. Слово "гжель" сегодня невероятно популярно. С ним ассоциируется красотой гармония, сказка и быль. Фарфор с нарядной синей росписью и многоцветная майолика известны теперь не только в России, но и за ее пределами. Гжельские изделия привлекают к себе всех, кто любит прекрасное, богатой фантазией и гармоничностью, высоким профессионализмом их создателей. Гжель - это колыбель и основной центр русской керамики. Здесь сформировались ее лучшие черты и проявились высшие достижения народного искусства.

Сколько же лет этому русскому народному промыслу? Археологические исследования на территории Гжели подтверждают существование здесь гончарного ремесла с начала XIV века. И неудивительно, гжельская земля издавна была богата лесами, реками, высококачественными глинами,.. "которой нигде не видал я белизною превосходнее". С тех пор за свою более чем шести вековую историю Гжель переживала разные периоды.

Конец XIX - начало XX веков стали периодом глубокого кризиса. Казалось, гжельское искусство погибло навсегда.

Послевоенное время связано с началом возрождения промысла и поиском своего образного языка. Для этого потребовались годы кропотливой и неустанной работы, обучение новых мастеров. В результате это привело к успеху. дымковский игрушка матрешка гжельский прикладной

1972 году создано объединение "Гжель", на основе шести маленьких производств, расположенных в нескольких деревнях. Творческие группы разрабатывали новые образцы. Были созданы полностью новые формы изделий. Живопись стала более богатой, и выполняет художественные требования существующего дня.

ТАГИЛЬСКИЙ ПОДНОС

Уральская лаковая живопись по металлу возникла в XVIII в. при нижнетагильских заводах. Тагильский поднос старше жостовского. Именно Нижний Тагил считается родиной российской росписи по металлу. Уральские заводчики Демидовы, будучи главными заказчиками расписных изделий, всячески поддерживали лаковый промысел. Тагильскую роспись по металлу нельзя спутать ни с какой другой: ей присущи богатство красок, чистота и изящество в обработке цветов, законченность композиции, утончённая вязь орнаментов.

Жостовская роспись - народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области. Промысел расписных металлических подносов возник в середине XVIII в. на Урале, где были расположены металлургические заводы Демидовых. Только в первой половине XIX в. подносы стали изготавливать в деревнях Московской губернии - Жостове, Троицком, Новосельцеве. Подмосковный промысел вскоре стал ведущим.

Жостовские подносы - это картины, в основном, цветочных орнаментов, творцами которых были простые русские крестьяне. Они принесли в лаковую живопись яркую жизнерадостность красок, простоту и доходчивость образов, меткость характеристик, четкость рисунка.

Роспись выполняют приемами свободного кистевого мазка, без предварительного нанесения рисунка. Чаще всего используется черный фон. Объемы цветов и листьев как бы вырастают из глубины фона. Это делают путем постепенного перехода от темных тонов к более светлым. В росписи как будто оживают цветы.

Современная технология изготовления подносов мало отличается от применявшейся ранее мастерами деревни Жостово. Тонкий лист железа прессуется в нужной форме, для придания жесткости края подноса завальцовываются, выравнивается поверхность. Лицевая поверхность подноса грунтуется и шпатлюется, а затем ошкуривается и покрывается черным (реже иного цвета) лаком. Подносы просушиваются в печах при температуре до 90 градусов С. Покрытие производится трижды, после чего цветная поверхность подноса приобретает блеск.

ФЕДОСКИНО

Федоскинская миниатюра, вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи масляными красками на папье-маше, сложившийся в конце 18 в. в подмосковном селе Федоскино.

Производство изделий из папье-маше возникло в 1798, когда купец П.И. Коробов организовал в купленном им сельце Данилкове (в настоящее время входит в состав Федоскина) козыречное производство. Несколькими годами позже Коробов побывал на фабрике Иоганна Штобвассера в Браушвейге, перенял там технологию изделий из папье-маше и завел на своей фабрике изготовление популярных в то время табакерок, украшенных наклеенными на крышку гравюрами, иногда раскрашенными и покрытыми лаком. Во второй четверти 19 в. табакерки, бисерницы, шкатулки и другие изделия стали украшать живописными миниатюрами, выполненными масляными красками в классической живописной манере.

Мастера работали на фабрике по найму, многие из них были выходцами из иконописных мастерских Сергиева Посада и Москвы, некоторые имели художественное образование, полученное в Строгановском училище. Известны имена некоторых из них - С. И. Бородкин, А. А. Шаврин, А. В. Тихомиров, Д. А. Крылов и др.

Излюбленными мотивами росписи федоскинских миниатюристов стали популярные в то время сюжеты: "тройки", "чаепития", сцены из русской и малороссийской крестьянской жизни. Наиболее всего ценились ларцы, украшенные сложными многофигурными композициями - копиями картин русских и западноевропейских художников.

Федоскинская миниатюра исполняется масляными красками в три-четыре слоя - последовательно выполняются замалевок (общий набросок композиции), пропись или перемалевка (более детальная проработка), лессировка (моделирование изображения прозрачными красками) и бликовка (завершение произведения светлыми красками, передающими блики на предметах).

Палехская миниатюра не имеет аналогов во всем мире. Она выполняется на папье-маше и только потом переносится на поверхность шкатулок всевозможных форм и размеров.

Своеобразное и тонкое искусство лаковой миниатюры Палеха вобрало в себя как основу принципы древнерусской живописи и народного творчества. В настоящее время палехская миниатюра является неотъемлемой частью отечественного декоративно-прикладного искусства в целом. Наряду с развитием древних традиций оно несeт в себе поэтическое видение мира, свойственное русским народным сказкам и песням.

Рождение этого искусства в Палехе не случайно. Оно явилось закономерным результатом развития многовековых традиций в новых исторических условиях, унаследовав мастерство многих поколений иконописцев. Старый палехский опыт богат и многообразен. Издавна в Палехе изучались и сохранялись традиции древнерусского искусства.

Самостоятельный палехский стиль иконописания сформировался только к середине XVIII века. Он вобрал в себя и развил основные принципы и элементы новгородской и строгановской школ и живописи Поволжья второй половины XVII века. В XVII-XIX веках палехские мастера неоднократно выполняли заказы на иконы в новгородском стиле или в характере московской фрязи.

Заключение

Умение выявить эстетические качества материала всегда отличало русских мастеров, которая проявлялась во всех сферах жизни от быта до архитектуры, где мастерство выразилось в камнерезном искусстве.

Расцвет ювелирного искусства в России наступает к середине XVIII века и продолжается на протяжении всего столетия.

В этот период больших успехов достигают мастера серебряного дела. В соответствии с новыми вкусами формы серебряных сервизов просты и четки. Их украшают каннелюры, античные орнаменты. На серебряных стаканах, табакерках мастера Великого Устюга воспроизводят с гравюр изображения античных сцен, побед русских войск.

Выдающееся явление в прикладном искусстве XVIII века - стальные художественные изделия тульских мастеров: мебель, шкатулки, подсвечники, пуговицы, пряжки, табакерки.

Расцвет русского прикладного искусства XVIII века был связан с творчеством архитекторов Казакова, Старова, Кваренги, Камерона, Воронихина и целого ряда обученных народных художников. Но его подлинную славу создали в большинстве своем оставшиеся безвестными крепостные мастера - мебельщики, резчики, ткачи, камнерезы, ювелиры, стеклоделы, керамисты….

Литература

История русского искусства. Ответственные редакторы И.А. Бартенев, Р.И. Власова - М.,1987

История русского искусства. Под ред. И.Э. Грабаря. Т. 1-12 (разделы декоративно-прикладного искусства). М.: 1953-1961

Русское декоративно-прикладное искусство. Под ред. А.И. Леонова. Т. 1-3. М.: 1962-1965

Рыбаков Б.А. Русское прикладное искусство X-XIII веков. Л.: 1971

Василенко В.М. Русское прикладное искусство. Истоки и становление. I в. до н.э. - XIII в. н.э. М.: 1977

Размещено на Allbest.ru

...

Подобные документы

    Традиции изготовления художественных изделий. Художественные изделия из бересты. Богородская резная игрушка. Абрамцево–кудринская, или хотьковская резьба по дереву. Палехская и Федоскинская лаковая живопись. Настоящая русская красавица - матрешка.

    реферат , добавлен 24.06.2009

    Этнографическое и декоративно-прикладное искусство алтайцев конца XIX – начала XX века. Ювелирное дело и обработка металла. Обработка войлока и мягких материалов из ткани. Декоративно-прикладное искусство казахов. Характеристика народных промыслов.

    курсовая работа , добавлен 07.06.2014

    Архитектура XVIII века. Скульптура ХVIII века. Живопись первой половины ХVIII века. Живопись второй половины ХVIII века. Гравюра первой половины ХVIII века. Гравюра второй половины XVIII века. Прикладное искусство первой половины XVIII века.

    курсовая работа , добавлен 26.10.2002

    Период столкновения исключающих друг друга художественных устремлений в XVII-XVIII веках. Проявление черт светского искусства в русской иконописи. Открытие иконописной мастерской при Оружейной палате в Кремле. Фресковая живопись, исторический жанр.

    презентация , добавлен 25.12.2013

    Декоративно-прикладное искусство. Секрет восточного фарфора. Появление фаянса и майолики. Керамика в России. Народный художественный керамический промысел. Гжель, дымковская игрушка. Производство игрушек в начале XIX века. Направления русской керамики.

    презентация , добавлен 18.12.2014

    Скопинская керамика и игрушка, история развития. Сезонный гончарный промысел на местных красных глинах в деревнях Каргопольского уезда. Дымковская, вятская и кировская игрушка, её наиболее распространённые сюжеты. Искусство филимоновских мастериц.

    реферат , добавлен 15.06.2012

    Тенденции в развитии русской живописи, осваивание художниками линейной перспективы. Распространение техники живописи маслом, возникновение новых жанров. Особое место портретной живописи, развитие реалистического направления в русской живописи XVIII века.

    презентация , добавлен 30.11.2011

    Народные художественные промыслы. Народное декоративно-прикладное искусство. Изготовление глиняной посуды. Чернышинская игрушка. Как оживала древняя игрушка. Выставка народной игрушки. Как рождается красота. Творчество Евдокии Ильиничны Лукьяновой.

    контрольная работа , добавлен 21.08.2008

    Анализ творчества русских живописцев конца XVIII века: Рокотова, Левицкого, Боровиковского. Наиболее яркие представители русской живописи XIX в.: Кипренский, Тропинин, Венецианов, Брюллов, Федотов, Иванов. Перемены в технике и развитие портретного жанра.

    курсовая работа , добавлен 21.09.2012

    Время взлета общественного самосознания и общественной мысли, расцвета искусства. Живопись русских художников – Рокотова, Левицкого, Боровиковского, Лосенко, Шибанова. Преобладание реалистического направления, историческая, пейзажная, бытовая живопись.

Уже в искусстве XVII в., особенно второй его половины, наблюдаются такие тенденции, которые подготовили почву для быстрого развития светского реалистического искусства XVIII в. Иконописная условность уступает место жизненному воспроизведению людей, пейзажей и исторических событий. Традиционный растительный орнамент, трактовавшийся довольно условно, сменяется воспроизведением реалистически переданных цветов, плодов, листьев, гирлянд и раковин. На произведениях прикладного искусства роспись на религиозные сюжеты принимает почти светский характер, иногда подчеркнуто декоративный и театрализованный. Формы предметов становятся пышными, торжественными, с большим разнообразием украшений. Исчезают многие древние виды бытовых предметов, такие, как чарки с плоскими полочками-ручками, серебряные братины. Традиционные древние ковши превращаются в чисто декоративные наградные предметы, потерявшие свой практический смысл. Появляются новые типы утвари: стаканчики, украшенные барочным орнаментом, бытовыми сценами и надписями светского содержания, кубки в виде орла, кубки из рога на стоянах и многие другие. Церковная утварь и бытовые предметы духовенства по стилю теперь ничем не отличались от чисто светских вещей, а порой и превосходили их большей пышностью и материальной ценностью.

После секуляризации земель в 1764 г. Троице-Сергиева лавра теряет свои владения, но ее богатства к этому времени были столь велики, что эта реформа не сказалась ни на размахе строительных работ в монастыре, ни на богатом оформлении церковных интерьеров, личных покоев наместника и митрополита, живших в лавре, а также и на богатстве ее ризницы и казны. В монастырь продолжали поступать вклады от императриц и высших сановников двора, московского митрополита и других духовных лиц. Как правило, это были произведения, сделанные лучшими мастерами Москвы, Петербурга, Великого Устюга, Ростова-Ярославского и других центров прикладного искусства. Поэтому лаврская коллекция прикладного искусства XVIII в. представляет самые разнообразные виды техники ювелирного дела этого времени.

Своеобразный вид, особенно с середины XVIII в., приобретает искусство чеканки по серебру. Это преимущественно виртуозно исполненные довольно высоким рельефом крупные барочные завитки в сочетании с изображением плодов, корзин с цветами, амуров, гирлянд из цветов и листьев. Чеканка часто делалась ажурной и в таком случае имела дополнительный фон, дававший подсветку узору.

Классическим образцом подобной чеканки является массивный оклад Евангелия московской работы 1754 г. вклада императрицы Елизаветы1. В высокие чеканные дробницы и наугольники вкомпонованы серебряные пластины с исполненными расписной эмалью изображениями Троицы, евангелистов, сцен из жизни Христа. Они отличаются светским характером.

Московский мастер П. Воробей сделал в 1768 г.2 серебряную миску (использовавшуюся в монастыре как водосвятная чаша). Ее украшает превосходный чеканный орнамент из своеобразных завитых картушей и широких листьев на золоченом фоне. Ножками миски служат львиные лапы, держащие в когтях гладкие шары. Московского же мастера солонка 1787 г., украшенная чеканкой и чернью,- подарок Екатерины II митрополиту Платону3.

Новый центр ювелирного дела - Петербург - представлен в собрании музея серебряным чеканным рукомоем с носиком в виде головы орла, исполненным в 1768 г. мастером Кла-асом Иоганном Элерсом4. Этот же мастер сделал чеканное серебряное блюдо с барочным орнаментом по полю и изображением библейской сцены: кит выбрасывает на берег Иону5. При этом мастер изобразил здесь берег именно Петербурга с Петропавловской крепостью и шпилем собора. Рукомой и блюдо - вклад митрополита Платона.

Вещи ритуального назначения также приобрели светский декоративный характер, а торжественность их подчеркивалась небывало большими размерами. Типичен для XVIII в. набор литургических сосудов (потир, дискос, звездица и две тарели) вклада 1789 г. А. В. Шереметьева6. Высокая чаша для причастия здесь имеет большой чеканный колоколовидный поддон, ажурный серебряный кожух на тулове чаши и дробницы с расписной финифтью. Большого диаметра дискос и тарели, специально изготовленные для этого потира, украшены гравировкой, передающей традиционные иконографические сюжеты.

Совершенно иной характер приобретает искусство скани. Вместо плоского завитка с отростками, вьющегося на ровной глади металла на древних произведениях, рисунок скани XVIII в. усложняется дополнительно наложенными поверху украшениями иногда в сочетании с эмалью и драгоценными камнями. В некоторых случаях скань делается ажурной и накладывается на дополнительный фон. Иногда же вещь делалась из сканных нитей.

Выдающимся произведением сканного дела является дарохранительница 1789 г. вклада митрополита Платона7. Здесь и ажурная скань, и скань в сочетании с эмалью, и скань, наложенная на гладком фоне серебра. Дарохранительница имеет вид светской шкатулки, о чем говорят ее совершенно нецерковная форма, нарядная отделка и посаженные по углам цветы из тонких металлических деталей с эмалью.

Образцом искусной рельефной скани может служить оклад книги „Чиновник архиерейской службы", также вклад митрополита Платона 1789 г.8.

Большое развитие получают в XVIII в. сольвычегодские и великоустюжские эмали с их одноцветным (синим или белым) фоном, на который наложены в виде отдельных металлических пластинок человеческие фигуры, цветы и другие изображения, иногда дополнительно расцвеченные эмалями. Музей обладает большой коллекцией бытовых вещей сольвычегод-ской и устюжской работы.

В XVIII в. для интерьера храмов лавры были сделаны и монументальные сооружения из серебра по рисункам известных художников Москвы и Петербурга. Для алтаря Троицкого собора по заказу митрополита Платона был изготовлен большой серебряный семи-свечник в виде лаврового дерева9, им же были украшены серебром тябла иконостаса Троицкого собора. Московским мастером Давидом Прифом была сделана по рисунку Каравакка серебряная сень над ракой Сергия Радонежского (заказ имп. Анны Ивановны10). Таким образом, и прикладное искусство XVIII в. представлено в собрании музея наиболее характерными произведениями.

Произведения художественного ремесла в собрании музея дают возможность проследить его развитие от ранних памятников великокняжеской Москвы до конца XVIII в. На протяжении этого длительного периода менялось и совершенствовалось техническое мастерство, исчезали старые и появлялись новые формы предметов, изменялся характер украшения, всегда зависевший от эстетических взглядов, определяемых социально-экономическими и политическими условиями своего времени, развитием внутреннего и внешнего рынка, масштабами и способом производства.

На произведениях XIV-XV вв. раскрывается картина постепенного возрождения художественных ремесел после татаро-монгольского разорения русской земли в XIII в. Мастера Москвы и других художественных центров Древней Руси осваивают различные художественные приемы и совершенствуют технику мастерства.

В XVI в. Москва окончательно завоевывает ведущее место в культурной жизни страны. Прикладное искусство этого периода отличается разнообразием форм и художественных украшений, а также большим техническим мастерством. Совершенствуется сложное искусство эмали, принявшей в основном орнаментальный характер, большего мастерства достигает искусство черни по золоту, чеканки и гравировки.

Произведения из серебра бытового и церковного назначения следуют традициям народного искусства и связаны с условиями жизни народа, его обрядами и бытом.

Красочность и декоративность изделий XVII в., усложнение орнамента, появление расписных эмалей, применение в большом количестве драгоценных камней, жемчуга и цветных стекол придают более светский характер прикладному искусству.

В XVIII в. приняты новые формы предметов, реалистический характер орнамента и росписи на эмали, В собрании Загорского музея этот период представлен лучшими мастерскими Москвы и Петербурга. Их произведения позволяют судить о новых изменениях, происходящих в прикладном искусстве.

Высокое художественное мастерство произведений прикладного искусства, представленных более чем за пять столетий, ставит собрание Загорского музея на видное место в истории русской художественной культуры

Обновленная экспозиция

«Декоративно-прикладное искусство России XVIII - первой трети XIX века»

В рамках празднования 35-летия во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства открылась обновленная постоянная экспозиция «Декоративно-прикладное искусство России XVIII - первой трети XIX века».

«Петр Великий бросил вызов России, а она ответила ему Пушкиным», - крылатая фраза А.Н. Герцена точнее всего определяет смысл и границы эпохи, которой посвящена экспозиция этих залов. Представленные здесь предметы - живые вехи, обозначившие становление и расцвет отечественной культуры в лоне европейской культурной традиции Нового времени. В них запечатлены перемены жизненного уклада и художественных ориентиров, трансформация старых и появление новых предметных форм, техник и даже видов декоративно-прикладного искусства.

В основу дизайна новой экспозиции заложен принцип демонстрации экспонатов как уникальных художественных объектов, которые объединены в тематические, стилистические и типологические блоки. Такое решение позволяет оценить значение каждого предмета с точки зрения времени, стиля, развития отдельного вида декоративно-прикладного искусства, и акцентирует внимание на его художественной самоценности.

Сценарий осмотра строится исходя из пространственного решения экспозиции, не только содержательно (по типологии, тематике, стилистике и хронологии), но и визуально - от Петровского времени до бидермайера.

Центральные темы новой экспозиции: «Эпоха перемен: рубеж XVII -XVIII веков», к которой примыкают так называемые «примитивы XVIII века», перелагавшие реалии нового времени в формах традиционного искусства; «Классика русского XVIII века», представляющая эпоху от Петра до Павла в высоких образцах придворного искусства, а также «Русский ампир» и «В комнатах», демонстрирующие две грани русской культуры первой трети XIX века - блестящий имперский стиль и становление культуры частной жизни, соотносимой с феноменом немецкого бидермайера. В тоже время экспозиция позволяет рассмотреть произведения и в привычном ряду - по видам искусства, выделяя мебель, художественный металл, стекло, фарфор, керамику, камнерезное искусство, кость и бисер.

Особого внимания заслуживают такие уникальные церковные предметы, как Крест-мощевик и Панагия, которые датируются XVII веком. Они выполнены в дорогостоящей на тот момент технике - эмаль по скани. В числе наиболее ранних экспонатов - сундуки с металлической оковкой и декоративной отделкой, чернильницы, уральская латунная посуда XVII - начала XVIII века. Ярким образцом парадной представительской металлической посуды для сервировки стола являются латунные кружки завода Демидовых на Урале.

Предметы сервировки стола и подносные вещи выполнялись тогда в разных техниках. Например, два стеклянных, темно-синих кубка с вензелями «EML» и «WGS», производства Императорского стеклянного завода, являются редким примером расписных изделий конца XVIII - начала XIX века. Латинские вензели на кубках принадлежат шведскому посланнику в России в 1793 году Вернеру Готтлобу фон Швениру - «WGS» - и его матери Эббе Марии Лагербринг - «EML». Кубки хранились два с лишним столетия в замке Скархульт, Сконе (Швеция), являясь фамильным достоянием.

В экспозиции можно ознакомиться с уникальными образцами русской дворцовой мебели XVIII-XIX веков, среди которых особый интерес представляют шахматный и ломберный столики в технике маркетри. Среди экспонатов мебели, характерной для первой половины XIX века, обращают внимание две редких по качеству горки в стиле «жакоб». Тому же времени принадлежат и два кресла, выполненные по проекту Осипа Ивановича Бове. Интерес представляют и каминные часы «Минин и Пожарский» изготовленные парижским бронзовщиком Пьером-Филиппом Томиром и, воспроизводящие в интерьерном формате, знаменитый памятник Ивана Мартоса, стоящий на Красной площади.

Особое место в экспозиции занимает шпалера «Спасение рыбаков», которая выполнена во Фландрии в неизвестной мастерской во второй половине XVII - начала XVIII веков. Она поступила в ВМДПНИ в 1999 году с коллекцией Музея народного искусства им. С.Т. Морозова. Сюжет шпалеры заимствован из библии: в центре композиции изображается одно из чудес - «Хождение по водам». Шпалера отреставрирована в несколько этапов - она была частично восстановлена специалистами Музея народного искусства им. С.Т. Морозова, и, уже в 2014 полную реставрацию завершили специалисты-реставраторы Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства. Таким образом, шпалера обрела новую жизнь и впервые будет представлена на экспозиции.

В соответствующих тематических разделах представлены осветительные приборы из стекла и хрусталя, интерьерные изделия из фарфора и бронзы конца XVIII-XIX веков. Каждый экспонат является эталонным образцом того или иного стиля, запечатлевает дух своего времени и представляет возможности художественного и технического мастерства.

Подобное пространственное решение экспозиции позволяет музею наиболее эффективно и интересно организовать экскурсии и специальные программы. К наиболее интересным и значимым экспонатам будут представлены расширенные аннотации, а также сопровождение QR-кодами, благодаря которым, посетители смогут получить более подробную информацию. Экспозиция оснащается современной системой светового оборудования. Благодаря высокой интерактивности, новая экспозиция обещает быть более живой и интересной, а так же способствовать творческому диалогу с посетителями, особенно с детской и юношеской аудиторией.

Экспозиция расположена на втором этаже Южного корпуса историко-архитектурного комплекса XVIII-XIX вв. «Конный двор». Она знакомит посетителей музея с широким кругом экспонатов, представляющих традиционные художественные промыслы и производства России. Это произведения всемирно известных центров обработки дерева и кости, лаковой живописи на папье-маше и металле, ведущих промыслов глиняной игрушки, а также выполненные русскими мастерами набивные и золотошвейные платки, изделия из стекла, фарфора, фаянса.

Эти центры сосредоточены в Московской, Владимирской, Вологодской, Ивановской, Нижегородской и др. областях. Начало собрания было положено в 1920–е годы, когда немногочисленные произведения народных мастеров, находившиеся среди национализированных сокровищ Троице-Сергиевской Лавры, были дополнены экспонатами Музея местного края и музея «Оптина пустынь». В 1941 г. в Сергиево-Посадский (в то время Загорский) музей была передана обширная коллекция Музея народных художественных ремесел (МНХР). Она насчитывала около сорока тысяч экспонатов, включала целый ряд уникальных произведений народных промыслов и работы экспериментального характера, выполненные мастерами разных художественных центров в мастерских, созданных при МНХР. Начиная с 1950-х годов, в музее приступили к целенаправленному, систематическому комплектованию собрания русского традиционного декоративно-прикладного искусства, и эта работа стала одним из приоритетных направлений его деятельности.

Значительное место в экспозиционных залах отведено произведениям народных мастеров и художников сергиево-посадского края. Особую известность городу принесли игрушки. Их делали из дерева – резные, токарные, столярные; из папье-маше и мастики – с движением и звуком. В музее экспонируются вырезанные из трехгранной чурки и раскрашенные куклы – барыни, гусары, кормилицы, знаменитые матрешки, популярные во второй половине XIX – начале ХХ в. наборные архитектурные игрушки, в их числе «Троице-Сергиева лавра».


С сергиевопосадским игрушечным промыслом неразрывно связано производство игрушек в с. Богородское. Музейная коллекция богородской резной пластики включает игрушки, скульптуры, скульптурные композиции и насчитывает около четырех тысяч экспонатов. Большой интерес представляют произведения XIX в.: «Генерал Скобелев на коне» - П.Ф. Барденкова, «Поводырь с медведем» - Д.И. Пучкова; занимательные многофигурные композиции на темы русских народных сказок и новой советской действительности, выполненные в 30-е годы ХХ в. (работы А.Ф. Балаева, Н.Е. Ерошкина, В.Т. Полинова, А.Г. Шишкина).

В музее широко представлена коллекция работ конца XIX – начала. ХХ в. учебной игрушечной и художественно-столярных мастерских Сергиева Посада и Абрамцева. Это шкатулки, ларцы, предметы мебели, изготовленные по образцам, разработанным известными художниками С.В. Малютиным, Е.Д. Поленовой, Ап. М. Васнецовым, Н.Д. Бартрамом, Вл.И. Соколовым и другими. Работа абрамцевской мастерской, которой руководила Е.Д. Поленова, оказала непосредственное влияние на становление и развитие промысла абрамцевско-кудринской резьбы по дереву с характерным для нее плоскорельефным растительным узором. Одним из основоположников промысла был В.П. Ворносков. В музее хранится несколько произведений мастера, в их числе декоративные блюда начала ХХ в., портал «Погранохрана» 1937 г.

Наряду с деревообрабатывающими промыслами, повсеместное распространение в России имели гончарные, обычно рядом с посудой лепили игрушки. Это искусство своими корнями уходит в язычество, когда небольшие фигурки из глины, участвуя в магических обрядах, исполняли роль своеобразных культовых предметов. В музее представлены коллекции каргопольской (Архангельская область), филимоновской (Тульская обл.), абашевской (Пензенская обл.), скопинской (Рязанская обл.) игрушек. Большой интерес представляет дымковская игрушка (Кировская обл.) конца XIX – начала ХХ вв. Это работы неизвестных авторов и А.А. Мезриной: кормилицы, кавалеры, танцующие пары и т.д. Ценную часть дымковской коллекции составляют работы 1930-х гг. Среди произведений второй половины ХХ в. своей занимательностью выделяется многофигурная композиция «Свадьба», выполненная группой дымковских мастериц во главе с Е.И. Косс-Деньшиной.

Дерево было одним из самых популярных материалов в России, и промыслы по его художественной обработке существовали в разных регионах. Наряду с сергиевопосадскими, в музее наиболее полно представлены промыслы Нижегородской области – Хохлома и Городец. Легкие деревянные хохломские чаши, братины, солоницы, расписанные ярким растительным узором и напоминающие драгоценные золотые сосуды были широко известны уже в ХIХ в. Их производством традиционно занимались крестьяне ряда сел и деревень, расположенных на территории современного Ковернинского района Нижегородской области. Среди экспонатов музейной коллекции – образцы крестьянской посуды XIX в. и мебель 1930 –х годов с непривычной для «хохломы» росписью по белым и серебристым фонам.

Городецкий промысел начал формироваться в конце XVIII в., когда крестьяне ряда небольших деревень, расположенных неподалеку от крупного торгового села Городца, начали делать на продажу донца для прялок. На них женщины сидели во время работы, укрепив в специальном отверстии высокий гребень с льняной или шерстяной куделью. Тем не менее, донце старались сделать красивым: оно было предметом гордости хозяйки, его ценили и берегли, а после работы размещали на стене как украшение дома. В декорации донец использовали очень редкий в русском народном искусстве прием инкрустации кусочками темного мореного дуба. К 1870–м годам от резьбы с инкрустацией перешли к росписи, быстрыми живописными мазками изображали пышные «розаны», всадников, сцены чаепитий и гуляний. К 1920-м годам необходимость в донцах отпала, и свои живописные навыки городецкие мастера стали широко использовать в украшении других предметов: коробочек, ларцов, декоративных панно, игрушек.

Городецкая коллекция музея не только позволяет проследить основные этапы развития этого центра с конца XVIII до конца XX вв., но и дает представление о творчество практически всех мастеров, оставивших заметный след в его истории. Коллекция включает произведения, признанные «классическими» образцами городецкого искусства: донца А.В. и Л.В. Мельниковых, Г.Л. Полякова, В.К.Смирнова, панно И.К. Мазина, ширма И.К.Лебедева и Д.И. Крюкова и др.
Мировой известностью пользуются русские художественные лаки. Музейное собрание позволяет отразить их историю и знакомит со всеми крупными центрами лаковой живописи. В музее экспонируются расписные металлические подносы Нижнего Тагила и Жостова (Московская обл.), «лаковые» изделия из папье–маше XIX - ХХ вв. подмосковного с. Федоскино, а также центров Ивановской и Владимирской областей: Палеха, Холуя и Мстеры, где искусство лаковой миниатюры получило развитие лишь в советское время и основывалось на сложившихся традициях иконописи. С 1830-х годов в мастерской О.Ф. Вишнякова, расположенной в д. Жостово, наряду с изделиями из папье-маше, приступили к изготовлению подносов из металла. Постепенно промысел приобрел самостоятельное значение. В украшении подносов предпочтение стали отдавать цветочным композициям, написанным сочными живописными мазками.

Особой ценностью обладает коллекция палехской лаковой миниатюры 1920-1930 гг., включающая произведения очень высокого художественного уровня. Среди них работы художников, входивших в образованную в 1924 г. «Палехскую артель древней живописи»: А.В. Котухина, И.В. Маркичева, И.М. Баканова, И.П. Вакурова, И.И. Зубкова и др., в том числе и виртуозные по исполнению работы родоначальника лаковой живописи в Палехе И.И. Голикова.

История подмосковных центров (с. Федоскино и п. Жостово) уходит корнями в конец XVIII в., когда купцом П.И. Коробовым было организовано предприятие по изготовлению лаковых изделий из папье-маше в с. Данилкове, расположенном недалеко от с. Федоскино. Вскоре промысел распространился по всей округе. В музейном собрании представлены работы фабрики Лукутиных (преемников П.И. Коробова) и небольших крестьянских предприятий селений Осташково, Жостово, Сорокино и других, расположенных в Троицкой волости Московского уезда. Самые ранние произведения коллекции относятся к середине XIX века. Продукция этих мастерских стилистически однородна: коробочки, ларцы, портсигары, кошельки, табакерки из папье-маше украшены живописными, реалистически трактованными миниатюрами с ярко выраженной национальной тематикой. Традиционные изображения «троек», «чаепитий», сцен из крестьянской жизни, как правило, являются свободными копиями станковых живописных и графических работ русских художников.
Заметное место в экспозиции отводится коллекции русских платков и шалей. Это расшитые «золотными» нитями платки и другие изделия тверских и нижегородских мастериц и нарядные набивные шали ведущих московских и подмосковных предприятий XIX – начала ХХ в. Крупнейшим, а в настоящее время и единственным в России, производителем шерстяных набивных платков и шалей является подмосковный Павловский Посад, где их выпуск был освоен в начале 1860-х годов на фабрике, принадлежавшей купцам Я.И. Лабзину и В.И. Грязнову. Производство шалей было почти полностью ручным. Узоры на ткань наносили при помощи резных деревянных досок, «цветок» и «манер». Любимым мотивом рисунков павловских шалей также, как и жостовских подносов, стали изображения цветов. Среди экспонатов музея павловопосадские шали разного времени. Это платки легендарного рисовальщика XIX в. С.В. Постигова «Подкова» и «Разводная» и произведения наших современниц Е.П. Регуновой, К.С. Зиновьевой, И.П. Дадоновой и др.

Художественные промыслы - значимая часть национальной культуры России. Представленные в музее произведения свидетельствуют о большой одаренности русских мастеров, тонком художественном вкусе и самобытности их таланта.

Очень привлекательным и разнообразным по своим декоративным качествам и техническим возможностям материалом для русских мастеров является кость. Уже в XVII в. традиции косторезного искусства начали развиваться в районе посада Холмогоры Архангельской губернии. Холмогорские мастера наряду с цевкой (обычной животной костью) использовали кость моржа, реже мамонта, изделия из которых особенно ценились. Самым ходовым товаром были гребни, коробочки, ларцы и шкатулки, украшенные тончайшими растительными узорами, изображениями животных и птиц, выполненными ажурной резьбой и гравировкой. Во второй половине XIX – начале ХХ в. резьбой по кости занимались в Троице-Сергиевом монастыре и Сергиевом Посаде, о чем свидетельствуют представленная в экспозиции подписная икона «Троица» 1869 г., выполненная Иваном Ильиным (монах Иона), и небольшая икона из слоновой кости с изображением Сергия Радонежского работы местного мастера И.С. Хрустачева.


Сложившиеся здесь традиции миниатюрной резьбы по кости и дереву оказали влияние на становление во второй половине 40-х годов прошлого века косторезного промысла в расположенном недалеко от Сергиева Посада городе Хотьково. Своеобразие этого центра проявилось в применении различных техник обработки кости, сочетании кости с деревом, широком использовании цевки. Эти черты нашли особенно яркое воплощение в работах 1950-х годов, в частности, в шкатулке В.Е. Логинова «Мичурин», костяные вставки которой виртуозно выполнены в оригинальной технике многопланового рельефа. Музейная экспозиция также дает возможность познакомиться с произведениями традиционных промыслов художественной обработки кости, которые сложились на востоке России: Тюмени (г. Тобольск), Якутии, Чукотке. Самобытность каждого из них основывается на этнических и художественных традициях местного населения.

За годы существования музея собрана богатейшая коллекция русского стекла и фарфора. Эти виды прикладного искусства получили бурное развитие в России в XVIII-XIX веках. В залах музея можно увидеть разнообразные по назначению, форме, технике исполнения и стилевой принадлежности изделия заводов того времени: императорских фарфорового и стеклодельного в Петербурге, частных фарфоровых заводов Гарднера, Попова, Кузнецовых, Корнилова, стеклодельных – Мальцовых, Бахметьевых и др. Среди экспонатов редчайшие образцы русского стекла и керамики, какими, например, являются стеклянные гравированные кубки XVIII в. или майоликовые изделия, выполненные на одном из первых керамических заводов России, открытом в 1724 г. в Москве купцом А.К. Гребенщиковым. В музее хранится замечательная коллекция фарфоровой пластики, включающая разнообразные жанровые скульптуры и целую серию – «Народы России», которая в XIX в. неоднократно возобновлялась на подмосковных заводах Гарднера и Кузнецова.
Коллекция стекла и фарфора советского и постсоветского периода представлена, главным образом, произведениями 1960-1980 годов, выполненными ведущими мастерами и художниками крупнейших заводов России. В истории отечественного фарфора лидирующее положение всегда занимали Ленинградский фарфоровый завод имени М.В. Ломоносова (бывший Императорский) и два подмосковных завода: Дмитровский фарфоровый завод (бывший Гарднера) и Дулевский фарфоровый завод имени газеты «Правда» (бывший Кузнецовский). Эти предприятия являют собой две самобытные и яркие школы, обладающие своим стилем, высокой культурой работы с материалом и богатейшими традициями. Различие двух школ фарфора в том, что они наследовали разные исторические пласты русской культуры: московская ориентировалась на народную традицию, ленинградская – на идущее в русле общеевропейского развития высокопрофессиональное искусство XVIII – XIX веков.

В музейном собрании есть отличающиеся тонким художественным вкусом и классическим чувством меры, изысканные и торжественные произведения художников Петербурга (Ленинграда): А.В. Воробьевского, А.А. Яцкевич, В.М. Городецкого, Н.П. Славиной, И.С. Олевской; созвучные по форме и росписи народному пониманию прекрасного, яркие, жизнеутверждающие произведения художников Подмосковья: П.В. Леонова. В.К. Яснецова, Н.Н. Роповой и др. В экспозиции можно также познакомиться с коллекцией стекла и хрусталя второй половины ХХ в. Посудные формы, декоративные вазы и комплекты, объемно-пространственные композиции, стеклянная пластика выполнены с использованием самых разных техник и технологий ведущими художниками старейших стеклодельных заводов России. Это завод в городе Гусь-Хрустальный Владимирской области (Е.И. Рогов, С.П. Верин, В.В. Корнеев, В.А. Филатов, В.С. Муратов); стекольный завод «Красный Май» в Вышневолоцком районе Тверской области (А.М. Силко, С.М. Бескинская); Дятьковский хрустальный завод (М.В. Грабарь, В.В. Сойвер, В.Я. Шевченко) .

Гордостью музейного собрания является довольно значительная коллекция Ленинградского завода художественного стекла, с деятельностью которого связано творчество таких мастеров прикладного искусства как Л.О. Юрген, А.А. Аствацатурян, А.М. Остроумов, Е.В. Яновская, Х.М. Пыльд, Б.А. Еремин, Ю.М. Бяков. Большая часть произведений из стекла и фарфора – уникальные образцы, созданные для крупнейших международных или всероссийских выставок. Таким образом, по своему многообразию, полноте представления отдельных центров, высокому художественному уровню входящих в него работ музейное собрание русского традиционного декоративно-прикладного искусства может быть отнесено к одному из лучших в стране. Составляющие его произведения свидетельствуют о большой одаренности русских мастеров, тонком художественном вкусе и самобытности их таланта.

Стиль середины столетия сказывается и на декоративно-прикладном искусстве. Для изделий из фарфора, например «Собственного» сервиза Елизаветы Петровны, и других материалов характерны криволинейные формы, а также сочный лепной орнамент, восходящий по рисунку к раковине и гибким растительным побегам. Причудливый силуэт предметов органически сочетается с яркими цветами, обилием позолоты, блеском зеркальных поверхностей, дополняющих праздничную картину интерьера.

Живопись первой половины XVIII века

Начиная с петровской эпохи огромные изменения претерпевает живопись. Складывается искусство станковой картины с ее смысловыми и композиционными особенностями. На смену обратной перспективе приходит прямая и связанная с ней передача глубины пространства. Важнейшую черту составляет изображение фигуры в соответствии с принципами анатомической правильности. Появляются новые средства передачи объема. В важнейшем качестве выступает светотень, потеснившая условно-символическую контурную линию. Сама техника масляной живописи с характерными для нее специфическими приемами и системой взаимоотношения цветов прочно, хотя и не сразу, входит в художественный обиход. Обостряется чувство фактуры. Художник обретает способность передавать конкретные свойства мягкого бархата, жестковатого горностаевого меха, тяжелой золотой парчи и тонкого кружева. В сюжетной картине можно проследить новые принципы взаимосвязи фигур. Изображение обнаженного тела составляет новую и труднейшую задачу. Сама структура живописи становится более разветвленной. С начала XVIII столетия светское искусство культивирует разные виды станковых произведений, монументальную роспись в виде панно и плафонов, миниатюрное письмо. Портрет включает все известные разновидности - парадный, камерный, в обычном и костюмированном варианте, двойной и парный. Художники осваивают аллегорические и мифологические сюжеты. Наличие этих особенностей, хотя и выявляющихся на первых порах в компромиссной форме, позволяет говорить о возникновении живописи нового типа.

Первые шаги на пути становления портрета связаны с деятельностью живописной мастерской Оружейной палаты. Произведения, выполненные русскими и иностранными мастерами, по своему характеру тяготеют к парсуне. Из всех типологических вариантов парсуна отдает предпочтение парадному портрету и встречается в этом качестве в нескольких разновидностях. Среди них «портрет-тезис» - наиболее архаический. Он сочетает в пределах условного иконного пространства портретные изображения и многочисленные разъясняющие надписи. Можно говорить и о «портрете-апофеозе». Таковы портреты-картины, символизирующие ратные подвиги Петра I. Распространены и обычные портреты Петра, Меншикова, Шереметева в рост и на коне.

Пространство трактуется всюду весьма стереотипно, и общее расположение предметов скорее служит символическим обозначением реальных пространственных отношений. Столь же условно в смысловом и масштабном отношениях решается проблема внутреннего и внешнего пространства. Парсуна несколько отходит от колористического богатства, характерного для иконописи XVII в. Однако скрупулезная передача орнаментации одеяний и различных деталей придает полотнам повышенное декоративное звучание.

Мастер еще не вполне владеет новыми принципами передачи объема, соединяя подчеркнуто выпукло написанные лица и плоскостные узорчатые одеяния. Большие размеры холстов, их импозантный дух, богатство обстановки и выставленных напоказ драгоценностей призваны иллюстрировать социальную значимость изображенного. Образ автономен, он сосредоточен на себе и безразличен к окружающим. Живопись, еще не созревшая до передачи индивидуального, по-своему старается подметить черты, присущие данному персонажу. Однако общее и индивидуальное еще не слито в органическом единстве, и конкретные свойства едва проступают под сводной типизирующей маской.

Линия парсуны, существовавшая сравнительно недолго, в основном в 80-е и особенно в 90-е годы XVII в., впоследствии сталкивается с очень сильным, практически потеснившим ее потоком произведений иностранцев и художников-пенсионеров. Вместе с тем не следует думать, что она оказалась случайным эпизодом в общем процессе развития русского портрета. Будучи оттеснена с основных позиций, парсуна продолжала существовать. Кроме того, ее черты проявлялись в творчестве ряда передовых художников как свидетельство незавершенного перехода от средневекового письма к новой манере. В таком качестве ее можно обнаружить в произведениях И. Никитина, И. Вишнякова и А. Антропова.

Следы парсунности встречаются и во второй половине XVIII в., особенно в работах крепостных или провинциальных художников, самостоятельно пришедших к новому искусству, как правило, идя от иконописания. Заметим, что парсунность как художественное явление есть не только в русской школе, но и на Украине и в Польше. Оно встречается также в Болгарии, Югославии и даже в странах Ближнего Востока, т. е. там, где живопись в близкой исторической ситуации переживает принципиально сходное приобщение к искусству нового времени и светскому искусству.